A Winged Victory for the Sullen est un projet de musique ambient formé par les compositeurs de Redbird Music et collaborateurs de longue date Adam Wiltzie et Dustin O’Halloran. Le duo s’est rencontré en Italie il y a plusieurs années et ne prévoyait initialement sortir qu’un seul album sous le nom A Winged Victory for the Sullen, mais le projet a continué d’évoluer et les deux artistes ont depuis enregistré quatre albums complets, un EP et une bande sonore depuis leur formation en 2011.
En 2013, A Winged Victory for the Sullen a été mandaté par le célèbre chorégraphe Wayne McGregor pour composer la musique de sa pièce de danse acclamée Atomos. Cette œuvre formera la base de leur deuxième album, Atomos (2014, Erased Tapes). Un autre moment marquant survient en 2015 lorsque Mary Anne Hobbs invite le duo à se produire aux BBC Proms. En 2019, ils composent également la bande sonore d’Invisible Cities de Leo Warner, une vaste production scénique immersive créée au Manchester International Festival.
Toujours en 2019, ils collaborent avec Ninja Tune pour lancer l’album The Undivided Five, salué par la critique et nommé album de la semaine par NPR. Ils entreprennent ensuite une tournée immersive en Europe et au Royaume-Uni avant que la pandémie n’interrompe la portion nord-américaine.
En 2021, ils lancent Invisible Cities, adaptation discographique de leur bande sonore originale pour la production théâtrale du même nom. L’album atteint le top 15 des palmarès britanniques dès sa première semaine et reçoit l’appui de médias comme Pop Matters, NPR, Clash et Pitchfork.

A Winged Victory for the Sullen

Accessory est le projet solo de Jason Balla (membre de Dehd), basé à Chicago.
Son premier album, *DUST*, révèle Balla comme une nouvelle voix de la pop expérimentale. Il façonne une œuvre intime mêlant larsens de guitare, manipulations électroniques et poésie du quotidien, à la frontière entre le numérique et l&#8217;organique. Ses morceaux forment une constellation évoquant les connexions manquées, le désir et la quête de certitudes au sein d&#8217;une réalité dominée par la distraction et le défaitisme.
À une époque où prévaut le vernis lisse de l&#8217;IA, Balla s&#8217;inscrit dans la tradition dadaïste du hasard pour intégrer l&#8217;imperfection et l&#8217;imprévisibilité humaines à sa création. Le résultat ? Des chansons vivantes et vibrantes, marquées par les traces du processus de création et sculptées par des courants émotionnels sous-jacents, invisibles sous une surface calme.

Accessory

Automatic crée une pop singulière et audacieuse qui secoue la torpeur ambiante. Alliant irrévérence et commentaires incisifs, le groupe de Los Angeles a abordé son troisième album avec un humour noir et une énergie renouvelée. Izzy Glaudini (synthétiseurs, chant) et Halle Saxon (basse, chant) sont convaincues que les messages appelant au changement passent mieux lorsqu&#8217;ils s&#8217;appuient sur un rythme entraînant et un groove espiègle ; avec leur nouvel album *Is It Now?*, elles nous invitent à affronter les structures oppressives du monde avec une urgence nouvelle.
Pour *Is It Now?*, Automatic a collaboré avec le producteur Loren Humphrey (Cameron Winter, Nice As Fuck, Arctic Monkeys), en s&#8217;appuyant sur la sonorité minimaliste et dansante de *Signal* et *Excess*. Alors que leurs précédents disques reposaient davantage sur une structure rigide, cet album a été conçu dans la spontanéité du jeu en direct, privilégiant les prises longues et une section rythmique qui respire. Des grooves enjoués et des mélodies pop accrocheuses servent de cheval de Troie à des commentaires politiques teintés d&#8217;ironie ; il faut parfois plusieurs écoutes pour réaliser que la ligne de basse pulsée, les synthétiseurs incisifs et les effets sonores façon science-fiction du titre « mq9 » évoquent le bruit des frappes de drones. 
Le groupe souhaitait que l&#8217;album trouve naturellement sa place aux côtés d&#8217;artistes tels que A Certain Ratio ou Air. Sur « Don’t Wanna Dance », elles rendent hommage à la scène britannique de la fin des années 70 influencée par les musiques caribéennes, où le dub se heurte au punk et où le funk se glisse dans des rythmiques motorik. « Smog Summer » puise son inspiration chez Patrick Cowley (qui a également influencé le titre « NRG » sur l&#8217;album *Excess*), ancrant son message écologique dans une pulsation disco entraînante.
Sans concession dans sa critique — qu&#8217;il s&#8217;agisse de la guerre automatisée (« mq9 »), de la consommation effrénée (« Is It Now? ») ou de l&#8217;influence politique du pétrole (« The Prize ») — *Is It Now?* propose aussi des pistes pour avancer : danser, résister, s&#8217;unir, tomber amoureux. À l&#8217;image de son titre, l&#8217;album ne prétend pas détenir toutes les réponses, mais il pourrait susciter de meilleures questions — ou, du moins, vous faire danser pour vous éveiller tout en cherchant. 
Automatic part en tournée aux États-Unis et au Canada cette année.

Automatic

Bobby Beaton et John Davis, du légendaire groupe garage montréalais The Gruesomes, proposent une sélection de garage, soul et R&amp;B des années 60.

Bobby & John From The Gruesomes

Je suis un artiste qui vit et travaille à Calgary / Mohkinstsis. Je crée des œuvres sculpturales cinétiques ainsi que de la musique. Le projet musical sur lequel je me concentre actuellement s’appelle Full Moon Bummer.
C’est de la musique folk / rock. Je joue cette musique avec Ryan Bourne et Chris Dadge. Ce sont deux amis très proches.

Chad Van Gaalen

Hurts Like Hell, le premier album de Charlotte Cornfield chez Merge Records paru le 27 mars 2026, est l’album le plus ouvert et affirmé de sa carrière, ainsi que le premier qu’elle enregistre depuis la naissance de sa fille en 2023.
Installée au studio Sugar Mountain de Philip Weinrobe à Brooklyn en janvier 2025, Cornfield est accompagnée de El Kempner de Palehound, Bridget Kearney de Lake Street Drive, Adam Brisbin et Sean Mullins. Elle et Weinrobe invitent ensuite Feist, Buck Meek, Christian Lee Hutson et Maia Friedman à participer aux voix.
Ces dix chansons réaffirment la place de Cornfield parmi les grandes autrices-compositrices de sa génération tout en ouvrant une nouvelle étape de sa vie artistique.

Charlotte Cornfield

Cutty Ranks, né Phillip Thomas à Kingston en Jamaïque le 12 février 1965, est un artiste, producteur musical et entrepreneur reconnu mondialement pour son style vocal brutal et son incroyable puissance lyrique. Figure emblématique du dancehall, il commence sa carrière sur des sound systems légendaires comme Feathertone, Gemini Disco, Killamanjaro et Metro Media.
Avec plus de 17 succès numéro un, dont « Limb By Limb », « A Who Seh Mi Done », « The Bomber » et « Love Mi Affi Get », Cutty Ranks demeure une figure incontournable de la scène dancehall internationale.
En 2018, le remix viral « Damé Tu Cosita » avec El Chombo devient un phénomène mondial et remet l’artiste sous les projecteurs internationaux grâce à des milliards de vues sur YouTube.

Cutty Ranks

Dale Watson est un musicien et producteur country authentique récompensé à plusieurs reprises, actif sur scène depuis plus de 40 ans. Il a partagé la scène avec des légendes comme Merle Haggard, Johnny Cash, Willie Nelson et Kris Kristofferson.
Avec plus de trente albums et singles à son actif, Dale Watson perpétue l’esprit des racines de la musique country à travers le monde. Il est également propriétaire du Wat-sun Studio à Memphis, équipé de la célèbre console de Sun Studio datant de 1937.

Dale Watson & His Lone Stars

Ouvrez grand la bouche pour une bouchée de power pop mêlée de post-punk et de rock&#8217;n&#8217;roll post-dépression. Une recette prescrite par Doctor Mother Father, un trio chevronné originaire de la ville animée de Saint John, au Nouveau-Brunswick, mené par Corey Bonnevie à la guitare et au chant, Kortni Nicols à la basse et au chant, et Colin Ferris à la batterie. Ils vous offrent une véritable injection d’énergie avec des chansons sincères qui parlent de la galère, du plaisir, de la colère et de la façon de s’en sortir — avec un peu d’aide de ses amis. C’est une bande-son énergisante pour traverser les moments difficiles dans les Maritimes, alors que l’économie s’effondre.

Doctor Mother Father

DUMAS est l’une des figures les plus estimées de l’univers musical québécois, l’un des plus doués et prolifiques auteurs-compositeurs-interprètes de sa génération. En plus de vingt et une années de carrière, la création de douze albums et de multiples collaborations, il est indéniablement une grande bête de scène avec plus de 1 000 concerts à son actif!

DUMAS

Depuis longtemps, les Dune Rats incarnent l&#8217;esprit « faites-le vous-même » du punk rock, une tradition profondément ancrée dans la scène musicale de Brisbane. Dès les débuts de groupes comme The Purple Hearts et The Saints, Brisbane a été un véritable vivier de musique rebelle et énergique, et les Dune Rats ne font pas exception.
Depuis leur formation, le trio – Danny Beus (chant, guitare), BC Michaels (batterie) et Brett Jansch (basse) – s&#8217;est fait un nom grâce à son attitude contagieuse et insouciante, et à son talent pour créer des hymnes punk déchaînés et entraînants, à la fois sauvages et raffinés.
L&#8217;aventure a commencé lorsque Danny, un skateur passionné de plage originaire de Coffs Harbour, a déménagé à Brisbane et a rencontré BC lors d&#8217;un concours de groupes local. Bien qu&#8217;aucun de leurs groupes n&#8217;ait remporté de prix ce jour-là, l&#8217;amitié et la collaboration musicale qui s&#8217;en sont suivies ont constitué le noyau de l&#8217;un des groupes punk les plus appréciés d&#8217;Australie. « Au début, aucun groupe n&#8217;écrivait pour des jeunes comme nous », se souvient Danny, « alors on a commencé à organiser nos propres concerts. » Cette approche artisanale est devenue leur ADN, favorisant une scène DIY qui a contribué à l&#8217;émergence d&#8217;une vague d&#8217;artistes de Brisbane, dont DZ Deathrays et Violent Soho.
À mesure que leur communauté grandissait, leurs ambitions grandissaient elles aussi. Leur premier album éponyme, sorti en 2014, a fait découvrir au monde le charme déjanté des Dune Rats, mais c&#8217;est leur album de 2017, *The Kids Will Know It&#8217;s Bullshit*, qui les a propulsés sur la scène nationale, se classant directement numéro 1 des ventes d&#8217;albums ARIA et confirmant leur réputation de groupe punk rock australien incontournable. Des singles comme « Bullshit » et « Scott Green » sont devenus des hymnes instantanés, valant au groupe les éloges de la critique et une place de choix sur les scènes principales de festivals comme Splendour in the Grass, Laneway et Groovin The Moo.
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Leur album de 2022, Real Rare Whale, a confirmé leur succès, décrochant une nomination aux ARIA Awards dans la catégorie Meilleur album hard rock et proposant des titres plébiscités par le public comme « UP ». L&#8217;album a donné le coup d&#8217;envoi à une tournée internationale intense tout au long de l&#8217;année 2023, avec des salles combles aux États-Unis, au Canada, en Italie, en Allemagne, en République tchèque, en Belgique, en France, en Afrique du Sud, en Irlande et plus de 20 concerts au Royaume-Uni, où ils ont donné deux concerts en douze mois.
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De retour en Australie, les Dune Rats ont conclu cette tournée en beauté avec un été australien exceptionnel, enchaînant les concerts en tête d&#8217;affiche et les festivals, notamment une prestation mémorable au festival Splendour In The Grass où ils ont interprété leur reprise virale de « Am I Ever Gonna See Your Face Again » des Angels, enregistrée lors de l&#8217;émission Like A Version de Triple J.
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Après ces années tumultueuses, Dune Rats est revenu en Australie avec un nouvel élan créatif et une détermination renouvelée. Leur album de 2024, *If It Sucks, Turn It Up*, a su capturer cet esprit : une version plus incisive, plus accrocheuse et plus introspective du chaos qui les a façonnés. Mêlant le charme insouciant de leurs premiers disques au professionnalisme de groupes chevronnés, des titres comme « Cheapskate » et « Solar Eyes » ont confirmé leur réputation de composer une musique aussi percutante au casque que sur scène.
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Pour fêter la sortie de l&#8217;album, Dune Rats s&#8217;est lancé dans une immense tournée nationale en co-tête d&#8217;affiche avec les légendes du punk américain FIDLAR, les Néo-Zélandais de DARTZ et les Australiens déchaînés de The Pingers. Ils ont rempli les salles de concert à travers l&#8217;Australie et ont redonné vie à la scène punk locale.
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2025 marque un nouveau chapitre pour le groupe et célèbre le chemin parcouru. Avec plus de 15 ans de carrière, de multiples nominations aux ARIA Awards et des centaines de concerts à travers le monde, Dune Rats continue de porter haut les couleurs du punk rock australien avec la même énergie qu&#8217;à leurs débuts.
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2026 démarre en trombe : Dune Rats assurera la première partie de la tournée australienne de YUNGBLUD avant de revenir à leurs racines. Ils enchaîneront avec l&#8217;OLD MATES Tour, une série de concerts intimistes dans les pubs, les villes côtières et les salles surchauffées qui ont marqué leurs débuts. Cette tournée coïncide avec la sortie d&#8217;OLD MATES, un album regroupant des titres de leurs trois premiers EP ainsi que le tout nouveau single « Sharks ». Un hommage aux origines de Dune Rats, qui prouve qu&#8217;ils avancent toujours, plus forts que jamais.
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Comme le dit Danny : « Cela fait plus de dix ans que nous sommes là, et le secret est assez simple : nous aimons ce que nous faisons et nous nous aimons les uns les autres. Chaque année, nous nous efforçons de faire mieux, de jouer encore plus et de nous amuser davantage. »

Dune Rats

Dutch Interior compose des chansons qui prennent de l’ampleur à mesure qu’elles se déploient. Le groupe de six musiciens originaire du sud de la Californie mélange ambient, slowcore, folk expérimental et rock américain dans une approche à la fois intime et ambitieuse.
Leur album Moneyball paru chez Fat Possum en 2025 révélait déjà leur capacité à relier différentes traditions musicales en une œuvre cohérente et profondément émotionnelle.
Le nouvel EP It’s Glass pousse encore plus loin cette approche, avec des compositions enregistrées au célèbre Hyde Street Studios de San Francisco. Les morceaux naviguent entre délicatesse, improvisation et textures atmosphériques.

Dutch Interior

ESPRIT a débuté en 2012 comme projet parallèle basé sur l’échantillonnage du musicien de pop électronique George Clanton. Les deux premiers EP d’ESPRIT, Girls Only et Summer Night, sont encore aujourd’hui considérés comme des œuvres essentielles pour toute personne découvrant le genre Vaporwave.
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En 2014, alors que la vaporwave était encore principalement définie par l’utilisation de morceaux trouvés et de samples transformés, ESPRIT a sorti l’album Virtua.zip, composé entièrement de matériel original. Dans les trois années qui ont suivi sa sortie, la scène vaporwave dans son ensemble a progressivement suivi cette direction.
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Après Virtua.zip, le projet ESPRIT a été mis sur pause pendant que le projet solo de George Clanton lançait 100% Electronica à la fin de 2015. Aujourd’hui, trois ans plus tard, ESPRIT revient avec à la fois la suite de Virtua.zip et l’album compagnon de 100% Electronica, réunis dans une seule œuvre.
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200% Electronica mélange des compositions entièrement originales dans le style vaporwave classique d’ESPRIT avec des samples chopped &amp; screwed tirés des propres morceaux de George Clanton, inspirés par deux années de tournée avec uniquement une Roland SP-404SX.

ESPRIT

Fleur de Peau est un duo synth-pop né en 2023, formé de Louis Fernandez et Élie Dubois-Sénéchal. Leur musique, influencée par les années 80, mêle mélancolie, urgence de vivre et engagement queer et féministe. En 2024, ils sortent un premier album aux sonorités électro, punk, dreampop et indie rock, à la fois percutant et poétique. Cette année, le duo Fleur de Peau dévoile son deuxième album Parachute, une œuvre à la fois électrique et profondément organique, où l’humain et les instruments respirent au même rythme.

Fleur de Peau

Fred Frith est un pionnier de la guitare électrique étendue. Il a appris à composer au sein de Henry Cow, a perfectionné son art de l&#8217;écriture de chansons avec Art Bears, a exploré son multi-instrumentisme avec Skeleton Crew, a enflammé les scènes avec Massacre et continue de faire tout cela, ayant fait partie d&#8217;un groupe ou d&#8217;un autre sans interruption depuis 1964 ! Ses œuvres ont été interprétées par des quatuors à cordes, des orchestres, des big bands et une multitude de groupes et d&#8217;artistes dans le domaine en constante expansion de la musique semi-populaire. Fred compose également beaucoup pour le cinéma et la danse ; sa passion pour l&#8217;improvisation l&#8217;amène de plus en plus à collaborer avec des artistes qui ne se définissent pas forcément comme improvisateurs.

Fred Frith

“Voici ce que l&#8217;on ressent en écoutant [friends&amp;]. Une expérience absolument déroutante, comme si l&#8217;on était plongé dans un océan sonore tourbillonnant : des tonalités et des bruits, familiers et inconnus, fusent d&#8217;un canal à l&#8217;autre, revenant sous diverses formes, distordues ou non ; des mélodies se fondent et se dissipent – ??une sensation totale, qui vous submerge de tous les sens. Mais une sensation toujours chaleureuse et accueillante ! Car, en réalité, [friends&amp;] est avant tout un groupe de dance-pop : des mélodies accrocheuses à souhait, des sonorités brillantes et magnifiques, et des rythmes entraînants et électrisants. Parfois, cela peut sembler un bruit trop complexe, mais d&#8217;autres fois, quelque chose de si pur, de si mélodique et de si direct en surgit vous frappe de plein fouet.” — Merton, critique de folx sur RYM, 17 février 2026
friends&amp; est un groupe pop composé de quatre musiciens : bc power, ct pond (alias Amateur Painter), jc grame (alias tirestires) et jksims. nous mélangeons des styles tels que le glitch pop, le folktronica et le néo-psychédélique pour créer une musique électronique dance maximaliste. notre premier album, folx, est sorti récemment sur le label dawk26 records.

Friends&

frown line est le projet indie rock d’Annika Devlin, originaire de Montréal. En 2021, alors qu’elle vivait encore dans sa ville natale d’Ottawa, en Ontario, Annika a commencé à sortir des titres sous le nom de « frown line ». En 2023, après avoir signé avec le label Lauren Records, basé à Los Angeles, frown line a sorti son premier EP, « Come Around », et s’est constitué une solide base de fans sur diverses plateformes de streaming.
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En 2025, le groupe composé de quatre membres a sorti trois singles et s’est rendu à Los Angeles pour se produire au festival local « Growing Up Is Dumb », organisé de manière indépendante, avant d’enchaîner avec une tournée sur la côte est du Canada cet été-là. En 2026, frown line prévoit de partir en tournée aux États-Unis et au Canada, ainsi que d’enregistrer son premier album.

Frown line

haha Laughing est un projet de rap noise expérimental basé à Austin, composé de Jay Dilick et Aby Oviedo. Le duo fusionne des éléments de rap hardcore, de free-jazz, de musique électronique déformée et d&#039;énergie punk pour créer des explosions de catharsis accrocheuses d&#039;une durée de trois minutes. Le chaos qu&#039;ils orchestrent prend toute sa dimension lors de leurs concerts : les échanges vocaux entre Dilick et Oviedo, les ruptures noise, les détournements d&#039;échantillons et leur sens du jeu donnent naissance à une performance scénique incontournable, à la fois énergisante et délicieusement désorientante. haha Laughing a sorti plusieurs EP et singles depuis 2021, et a sorti son premier album, « LOSING TEETH DREAM », en mai 2025. Leur EP suivant, « BIG WHATEVER », est sorti en avril 2026. haha Live. haha Laugh. haha Love.

Haha Laughing

Hana Stretton est une compositrice, chanteuse et productrice britanno-australienne reconnue pour sa production chaleureuse et ses chansons à la structure vaste et contemplative.
Son premier album Soon, paru en 2023, est rapidement devenu un favori d’un public attentif à travers le monde. L’œuvre attire notamment l’attention de Phil Elverum, qui réédite l’album sur son propre label en 2024.
Sur son nouvel album tiarn, prévu pour l’été 2026, Stretton transporte l’auditeur des paysages poussiéreux de l’Australie vers l’immensité de l’océan Pacifique, intégrant davantage d’éléments classiques et électroniques.

Hana Stretton

Né en 2016 de la fusion de plusieurs groupes punk britanniques très appréciés, le groupe londonien High Vis s’est progressivement imposé comme une véritable légende grâce à ses performances passionnées et à une discographie en constante évolution, mêlant hardcore poétique et progressif. Composé du chanteur Graham Sayle, du batteur Edward « Ski » Harper, du bassiste Jack Muncaster et des guitaristes Martin Macnamara et Rob Hammaren, le groupe fusionne la fureur du street punk anglais avec des touches de mélodies britpop, des tourbillons néo-psychédéliques, des rythmes post-punk nerveux et même quelques bribes de groove « Madchester ». Pour Sayle, cette énergie issue d’un véritable melting-pot montre la voie à suivre : « Pendant des années, le hardcore avait des frontières assez nettes – les autres scènes étaient des mondes à part. Aujourd’hui, les choses se mélangent davantage, puisant dans des horizons variés. »
Originaires de divers coins du Royaume-Uni, les musiciens qui composent High Vis incarnent l’essence même du punk et du hardcore britanniques, faits de DIY et d’autofinancement. Formé par des membres issus des groupes Dirty Money, Tremors, City Dweller, Reflect, Shame et bien d’autres, High Vis fusionne l’esprit de la communauté hardcore au sens large tout en intégrant diverses influences et inspirations musicales, ce qui lui permet de toucher un nouveau public qui n’a peut-être pas écouté ses projets passés, tout en rendant hommage à ses fans de longue date.
En 2019, High Vis a sorti son premier album complet, *No Sense No Feeling*, qui l’a fait connaître et a ouvert la voie à ce que le groupe pouvait accomplir au-delà des limites de tout genre ou de toute scène. Imprégné d’une esthétique d’inspiration post-punk *No Sense No Feeling* a posé les bases d’une exploration sonore audacieuse que High Vis n’a cessé d’approfondir tout au long de sa carrière. En 2020, High Vis a sorti l’EP *Society Exists*, parsemé d’effets vocaux et de lignes de synthé, démontrant une fois de plus que le groupe était difficile à cataloguer ou à enfermer dans un moule.
Avec *Blending*, l’album qui leur a permis de percer en 2022, High Vis a approfondi ce qu’il qualifie lui-même de « misery punk post-industriel britannique » en y associant un son rock hymnesque à des grooves décontractés. Sur le plan des paroles, cet album a marqué un bond en avant pour High Vis, le chanteur Sayle ayant joué un rôle plus central dans l’écriture des textes et des mélodies. Sayle s’est concentré sur la conscience sociale, abordant la situation des communautés opprimées et marginalisées à travers la Grande-Bretagne, tout en se penchant sur lui-même et son propre paysage émotionnel. Ce processus a donné naissance à une œuvre qui semble universelle et qui, en fin de compte, transmet un message d’espoir.
« Guided Tour », troisième et dernier album du groupe, porte leur lyrisme et leur alchimie à leur apogée. Débordant d’arrogance et de sarcasmes, de refrains accrocheurs et d’espoir, de révolte et de colère légitime, les dix titres de l’album résonnent comme des hymnes à une nouvelle Angleterre. Et si les détails des chansons font souvent référence à leur pays d’origine en particulier, les thèmes abordés sont universels. Leur camaraderie est née de la sueur et de l’expérience, de années passées dans les tranchées entre concerts endiablés et boulots de merde, tout en continuant à se battre, à lutter pour un avenir meilleur. High Vis s’affirment comme les gardiens de la flamme et les incarnations de ce que le hardcore a de mieux à offrir.

High Vis

Originaire de Staten Island, Infinite Coles est une force multidisciplinaire issue de l’avant-garde queer new-yorkaise. Véritable caméléon sonore, il mélange house, hip-hop et soul afin de remettre en question les conventions de genre et d’identité.
Malgré sa filiation avec Ghostface Killah, Coles s’est forgé une trajectoire propre grâce à la scène ballroom et vogue de New York ainsi qu’à des collaborations avec Sampha et Joy Orbison.
Son premier album SweetFaceKillah, réalisé avec le producteur Zach Witness, reflète une authenticité forgée à travers l’adversité.

Infinite Coles

Quatre esprits, perspectives et âmes uniques donnent le tempo à Infinity Song. Le lien du sang qui unit les frères et sœurs Boyd — Abraham, Angel, Israel et Momo — alimente le cœur même du groupe, mais c&#8217;est l&#8217;harmonie entre leurs personnalités distinctes qui les élève avec brio au rang d&#8217;exception, hors des sentiers battus.
Arborant ses lunettes emblématiques, l&#8217;aîné, Abraham, porte les mélodies avec assurance et charisme. Angel, non seulement peut tenir une note comme si sa vie en dépendait, mais elle est aussi la force créative derrière l&#8217;esprit du groupe. Momo passe avec dextérité de la guitare à la basse, et sa voix d&#8217;une vulnérabilité touchante dégage chaleur et émerveillement. Au-delà de sa voix puissante, Israel fait chanter sa Navigator Stratocaster avec toute la fougue d&#8217;un guitariste virtuose. Leur musique est le genre de musique que l&#8217;on pourrait dénicher sur un vinyle précieux chez son disquaire indépendant préféré, découvrir pour la première fois au coucher du soleil lors d&#8217;un festival, ou dont on pourrait s&#8217;extasier sur les réseaux sociaux. Après une longue ascension, ils signent chez Roc Nation et captivent les auditeurs avec Mad Love [2020],
Metamorphosis [2023] et Infinity Song LIVE [2025]. Ils brillent partout, du Late Show avec Stephen Colbert à l&#8217;émission « Tiny Desk » de NPR. Acclamés par Interview, Complex, GRAMMY.com et bien d&#8217;autres ils sont la tête d&#8217;affiche d&#8217;une résidence populaire au Blue Note, jouent à guichets fermés dans le monde entier, assurent la première partie de Lake Street Dive au Madison Square Garden et se produisent dans des festivals tels que Bonnaroo et Lollapalooza. Devenus viraux à de nombreuses reprises, attirant des fans prestigieux et divers comme Doja Cat et Anne Hathaway, lauréate d&#8217;un Oscar®, et se produisant devant des salles combles partout, ces identités distinctes se rejoignent plus étroitement que jamais sur leur album éponyme de 2026, Infinity Song [Peace Industry Music Group et Roc Nation].

Infinity Song

Jah Cutta est une figure incontournable de la scène reggae depuis plus de quatre décennies. Ses premiers succès à l&#8217;étranger lui ont valu une renommée et un statut légendaire à Montréal, sa ville natale. Né à Saint-Thomas, en Jamaïque, et installé à Montréal, au Québec, au Canada, il est réputé pour ses performances scéniques explosives. Jah Cutta a partagé la scène avec les plus grands noms de la musique, parmi lesquels Peter Tosh, UB40, James Brown, Patti LaBelle, Steel Pulse, Luciano the Messenger, The Mighty Diamonds, Ken Boothe, The Wailers, Gregory Isaacs, Beenie Man, Buju Banton, Toots &amp; The Maytals, Public Enemy, Lee Scratch Perry, King Yellowman, et bien d&#8217;autres.

Jah Cutta

La rappeuse jamaïcaine-irlandaise JayaHadADream est l’une des nouvelles voix les plus excitantes du Royaume-Uni, combinant un lyrisme brut avec des influences grime et hip-hop.
Après avoir quitté une carrière d’enseignante en criminologie en 2023, elle remporte le concours Emerging Talent de Glastonbury, ce qui lance rapidement sa carrière.
Depuis, elle s’est produite à Reading, Leeds et Boomtown, tout en recevant l’appui de NME, BBC Radio 1, Stormzy et Fred Again. En 2026, elle devient la première femme nommée dans la catégorie Best Grime Act aux MOBO Awards.

JayaHadADream

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